Almonds ‘train plate’ Serie – bestehend aus rechteckigen, gegossenen Aluminiumtafeln, die auf die historischen Namensschilder britischer Züge anspielen – wurde 1997 mit einem Schild für einen Intercity 125-Zug von Paddington nach Cornwall mit der Aufschrift „Darren James Almond“ eingeführt. Als kleiner Junge, erklärt der Künstler, war er „sehr stark mit der Vorstellung verbunden, ein Trainspotter zu sein“ – eine Tendenz, die sich in der Beschäftigung des Künstlers mit Bewegung, Reisen und Transportmitteln manifestiert. In diesem Sinne sagt die Kuratorin Kate Bush, dass die Zugschilder „den Wunschtraum eines jeden Trainspotters, die endlosen Freuden der Geschwindigkeit und des unbekannten Ortes“ heraufbeschwören.

„[D]iese Tore, Pforten oder Portale, die sowohl die Umgebung absorbieren, aus der sie zusammengesetzt sind, als auch die Materialität des Blicks und der Empfindung, an der sie hängen, durchdringen und verdrehen – ohne Kriterien, denn sie verlangen keine Eintrittskarte, sondern rasen intensiv durch die Matrixen der Empfindung. [...Sie] ähneln der nächsten Eintrittsebene, aber es gibt kein „Jenseits“ der Tore. Sie reduzieren die Realität nicht. Im Übrigen
beziehen sie sich auch nicht auf die Wirklichkeit und vermitteln sie auch nicht. Das Motto des Eingangstors, des Portals, ist selbst ein rein materieller Schein: ein permanentes Durchrennen.“

Peter J. Amdam, 2015

Die Kuratorin und Schriftstellerin Lisa Le Feuvre vergleicht die 1988 in Förgs Einzelausstellung in der Galerie Max Hetzler gezeigten Bronzereliefs, Stelen und Masken mit „antiken Steinplatten“, die „aus dem Boden zu wachsen schienen, wie ein Wald, der uns zum Nachdenken anregte, um die physische Präsenz des Sehens zu spüren“ und folgert: „Fest gepflanzt, schienen diese Stelen monumentale Marker zu sein, die mit dem Körper verbunden waren, oder Grabsteine – die an die Grenzen eines Lebens erinnern.“

Die dreiteilige Skulptur mit dem Titel Pentagramme (Gefallene Sterne) scheint vom Himmel zu Boden gefallen und nun vergrößert zu sein. „Maria auf der Säule trägt eine Sternenkrone, die zwar am Kopf befestigt ist, aber nicht besonders stabil wirkt“, erklärte die Künstlerin.

Diese Spannung zwischen Gleichgewicht und Instabilität ist ein wiederkehrendes Thema in Mahns Werk, dessen Arbeiten oft von den Erwartungen der Schwerkraft befreit erscheinen. Zu den vielfältigen Konnotationen der vorliegenden Skulptur schrieb sie: „Die Sterne auf dem Platz sind wie die in der Krone, Fünfzacksterne, Pentagramme, Druidenfüße, uralte magische Zeichen. Im Mittelalter waren sie Abwehrzeichen gegen dämonische Mächte. Im Christentum weist der Fünfzackstern auf die fünf heiligen Wunden Christi hin.“ Mahns gefallene Sterne, die reich an sakraler Symbolik sind, unterstreichen ihren ortsspezifischen Ansatz. Sie dominieren ihre Umgebung und laden zu einer direkten Interaktion mit dem Betrachter ein.

„Inge Mahns Plastiken entstehen nicht isoliert, sondern sie entwickeln sich in einem jeweils spezifischen räumlichen und situativen Kontext. Nur bedingt sind sie autonom, denn sie reagieren auf die vorgefundenen architektonischen und gesellschaftlichen Strukturen, stehen dazu in Korrespondenz, setzen etwas dagegen, bringen unsere Vorstellungen von den Gegenständen, von den Räumen, von den Regeln in Bewegung. Das Werk is ein permanenter Regelverstoß, ist Anstoß zu einem Prozess des Umdenkens, Umdeutens, Umbauens.“

Stephan von Wiese, 2011

Der Felsen weist auf die geologischen Prozesse hin, die seine heutige mineralische Struktur allmählich geformt haben; die schrittweise eingeebnete Oberfläche verweist auf die dynamischen Ereignisse, die für seine Existenz verantwortlich sind. Im Inneren des Steins befindet sich ein Magnet, der ein Magnetfeld erzeugt. Diese Kraftquelle aktiviert den Eisenstaub auf einer Seite des Steins, wodurch ein Muster entsteht, das die zugrunde liegende Energie sichtbar macht. Da das Werk im Freien ausgestellt wird, beeinflussen die wechselnden Witterungsbedingungen auch das Aussehen des Staubs. Durch die langsame Oxidation nimmt das Eisen allmählich eine andere Farbe an, in einem kontinuierlichen Prozess, der die Verschmelzung von Vergangenheit und Gegenwart noch deutlicher macht.

Seine skulpturalen Formen und Bildwelten, die zugleich neu und vertraut sind, sind vielschichtig und von überzeugenden Kontrasten geprägt. Die Aluminiumskulptur Slave, 2017, besteht aus einer anonymen Figur, die eine Kontraposthaltung einnimmt und sich auf Henri Matisses Skulptur Madeleine, 1901, und Michelangelos Sterbenden Sklaven,1516, bezieht. Für diese Arbeit fertigte Ziegler ein Tonmodell von Hand an, das dann gescannt, digital vergrößert und in 3D gedruckt wurde, bevor eine weitere Form vom Abdruck genommen und als Abguss für das Werk verwendet wurde. Die sinnlichen grauen Kurven der endgültigen Skulptur weisen verschiedene Unvollkommenheiten auf, die die Diskrepanz zwischen der physischen und der digitalen Welt verdeutlichen: Die gewundenen Tonformen sind markiert, verformt und manchmal zerbrochen, was der Künstler als „barocke Verzierungen“ bezeichnet.